La Prairie莱珀妮携手中国艺术家丁乙共谱多元视角下的“恒久之梦” 联袂钜献,于2021西岸艺术与设计博览会揭启

2021年,瑞士奢华护肤品牌La Prairie莱珀妮携手中国著名抽象艺术家丁乙,突破时间的边界,在多元视角下共同探索恒久之美。

届时,La Prairie莱珀妮与中国艺术家丁乙首度合作的全新艺术装置《时间之上》将在西岸艺术与设计博览会La Prairie莱珀妮专属展馆中亮相。

沉浸式的作品设计,让人仿佛身临苍茫宇宙,在这里,终点即是起点,改变着观众对于时间的感知——过去、现在和未来同时向各个方向延展,打破了传统的线性时间范式。

la prairie x fondation beyeler
LA PRAIRIE X FONDATION BEYELER

自品牌创立以来,La Prairie莱珀妮始终致力于与多元背景的艺术家开展合作,大胆而富有想象力的创意花火激发人们对时间和美的重新思索。1931年,品牌创始人保罗·尼汉博士从瑞士迷人的自然景观中汲取灵感,并不断在实践中探求恒久之梦。他的这一梦想更深深烙印在品牌时间美学与恒久创新、创意的核心价值观中,改变了人们对时间的认知,为每一位爱美人士编织了一曲恒久之梦。保罗·尼汉博士亦让大家看到,时间是主观的概念,可以藉由艺术的棱镜来强化对时间的感知。守望90年前的原初梦想,亦正值全新臻献的臻爱铂金尊宠密集修护精华液在中国大陆上市之际,La Prairie莱珀妮与中国艺术家丁乙的首度合作由此展开。

恒久之梦

丁乙的作品凝聚了他对时间、自然、世界,以及图像与精神两者关系的思考。富有逻辑和理性色彩的图像、对感性的探索在他的作品中融洽地并存,为作品注入别具一格的张力。过去十年来,丁乙的创作进入了一种他称之为“仰视”的阶段,力求“从更高远的视角来看天空和更大的世界”。即使在平面绘画中,丁乙亦展现出了卓越的氛围营造能力。此番携手La Prairie莱珀妮,丁乙特别呈现一个让人耳目一新的全新艺术项目,将体现其标志性风格的新近画作与独特的光学透镜结构,以及影像作品相结合。不论在字面意义还是精神内涵上,这件作品都为人们提供了解和体验丁乙艺术创作的新视角。画面中精妙的平衡感让观众不禁联想到苍茫宇宙。在这片无垠的天际中所蕴含的宇宙奥秘具有解读时间和存在的无限可能,时间之上即为永恒。

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“恒久”亦是丁乙在绘画创作中一直追求的一种精神。他指出,如同La Prairie莱珀妮自创立来以“无尽探寻,恒久之美”为己任,“恒久”也是他透过作品所追求的宏大世界观,每一份感受和美都是独一无二的。每个人对宇宙和时间的看法和感受各不相同,唯有将多元的视角和愿景有机地结合起来,才能构成对空间和时间整体而恒久的图景。

丁乙的装置试图在沉浸式空间捕捉恒久的和谐,在这里,现实与梦境和想象交织在一起。“‘恒久’由很多部分组成,我的作品里面可能有某种所谓的恒久的节奏,这种节奏关系不是偶然的,而是具有某种数学性的永恒。我觉得感性和理性一直是一对互相排斥又互相融合的矛盾体。在我的作品里面,格子是一种理性的框架,但我又不用限定性的草图来控制画面感性的生发和流淌”,丁乙如此解读道。

时间之上

La Prairie莱珀妮与丁乙携手呈献的空间装置名为《时间之上》,由三部分共同构成。观众将穿梭于作品的三个区域,通过影像中仿如天际星群的图式、透镜下幻化多变的绘画元素、以及真实画作精妙深邃的画面感,动态地品读种种身体和视觉的体验。

首先映入眼帘的是一件影像作品。从宇宙隽永之美中汲取灵感,丁乙画作中富有变化感的图式元素一一呈现,通过“恒久的节奏”探索“时间”的本质。仿若璀璨星群般的绘画细节交相辉映,这迷人的节奏是隽永的,将观众引入恒久之美的河流,沉浸在画面所营造的宇宙之中。

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从影像空间缓步走出,观众将来到两个对称空间。通过遍布墙体的光学透镜,观众能够欣赏艺术家为本次艺术项目特别创作的两幅画作。每一面透镜都赋予观众一个新的赏画视角,感受艺术的独特性和美感。在这场曼妙旅程的终点——在观看了影像并通过不同透镜欣赏过画作后——观众将以一种更为直观的姿态凝视画作本身。不同的媒介和视角提示观众去探索作品的丰富细节,以及它们所诠释的微妙可能性。

仿佛穿行于一场时空旅程,每一次,观众都通过一个新的视角来体验看似相同的绘画元素、图式和笔触。每一个不同的视角下,新的感受会浮现。多元的观赏方式带领观众透过不同视角在纯粹的形式中发现并领略经典之美。

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La Prairie莱珀妮与丁乙的艺术合作于2021年11月12-14日期间在上海举办的西岸艺术与设计博览会La Prairie莱珀妮专属展馆呈现,“恒久之梦”,在流转幻化之间,一次次浮现在观众眼前。通过此次的合作,La Prairie莱珀妮与艺术的关联愈加紧密。

关于La Prairie莱珀妮

La Prairie莱珀妮是奢华护肤领域的翘楚,目前已遍布于全球90多个国家及地区。它不仅仅是奢华的代名词,更代表着创新、卓效、奢华感动服务与瑞士精髓。1978年, La Prairie莱珀妮正是诞生于瑞士这个以纯净、精准、创新与工艺而著称的国度。自此之后, La Prairie莱珀妮无尽探寻恒久之美,以先端科技、奢华配方与精美包装,将奢华护肤升华至令人赞叹的艺术。

La Prairie莱珀妮与艺术

La Prairie莱珀妮自诞生之日起,就与艺术世界有着密不可分的关联:从位于蒙特勒的Clinique La Prairie莱珀妮抗老化护理中心的艺术热潮,到与当代艺术家Niki de Saint Phalle的艺术邂逅,无不是如此。它具有大胆的精神——不拘奢华的常规,引领世人突破想象——天马行空一如艺术家,更似开拓者、先行者、探险者。

如今,La Prairie莱珀妮仍不忘初心,与艺术世界携手并进——无论是文化机构,特别邀约的知名艺术家,抑或崭露头角的艺术新秀,共同呈现更多的创新作品。这也体现了艺术体验的核心价值观:相知、共通、真实、铭记。

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正因如此,自2017年起,La Prairie莱珀妮便与世界领先的巴塞尔艺术展进行合作,每年分别于巴塞尔、香港和迈阿密三地举办。诸多携手呈献的艺术作品得以惊艳问世。近年来,La Prairie莱珀妮先后与艺术家Paul Coudamy(法国)、Julian Charrière(瑞士)、Manon Wertenbroek(瑞士)、Chul-Hyun Ahn (韩国)和Pablo Valbuena (西班牙)、建筑师Mario Botta(瑞士),以及毕业于瑞士洛桑艺术学院(ECAL)的摄影师Daniela Droz、Namsa Leuba和Senta Simond 携手合作。每一次合作,宛如动人故事的不同篇章。作品形式不拘,雕塑或绘画,每位艺术家都以自身擅长的方向创作出艺术作品。他们的灵感始于La Prairie莱珀妮的精湛工艺与独到匠心,聚焦于La Prairie莱珀妮所不懈探寻的:时间、美学和科技。时间仿若停驻。探索永不止息。这一刻,我们将由此流传后世。

关于西岸艺术与设计博览会

西岸艺术与设计博览会创办于2014年。博览会每年邀请亚洲、欧洲、北美和拉丁美洲的逾百家顶级画廊参展,并为国际参展商在上海展示优质现代艺术作品提供艺术平台。西岸博览会与全市博物馆和画廊同期举办的精彩展览与艺术盛会共筑丰富的艺术版图,让十一月的上海成为全球艺术盛会的重要一站。

关于丁乙

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丁乙,1962年出生于上海,并一直在这座城市生活、工作。他是当今全球抽象艺术领域最为著名的艺术家之一,在长达30余年的创作生涯中,丁乙始终致力于探索艺术的无限可能性,“十”字符号成为其最具标志性的视觉元素。通过绘画、雕塑、空间装置、建筑和新媒体等多元媒介,这位艺术家不断尝试新的艺术表现形式。自1988年以来,丁乙不断颠覆自己的实践风格,发展出以抽离于社会文化语境之外“+”、“x”和“米”字型符号为标志的艺术语汇。他从精密的格子框架中彰显创作的自由,理性与感性、逻辑与即兴的交融。非叙事性的艺术表达,将其整体性的世界观和不断变化中的现代性展现得淋漓尽致。丁乙的作品在全球各大机构和画廊广泛展出,近期项目包括:泰勒画廊(纽约,2021)、龙美术馆重庆馆(2020)、上海当代艺术博物馆(2019)、旧金山现代美术馆(2018-2019)、所罗门·R·古根海姆博物馆(纽约、毕尔巴鄂,2017-2018)等。他曾参与第45届威尼斯双年展(1993)、首届亚太当代艺术三年展(1993)、第11届悉尼双年展(1998)、2001年横滨国际当代艺术三年展(2001)、第6届上海双年展(2006)、第7届深圳雕塑双年展(2012)、第6届釜山双年展(2016)等。

丁乙与艺术Q&A

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1、您很多的作品都以时间为灵感,“时间”对您意味着什么?如何看待时间?

A:时间意味着一生你要做的事情。时间,它有点像线条慢慢地在行走,但是仍然会有一些节点,可能是一些点状的东西,或者是衍生出一些面,或者是停顿的时间——在某一段时间里面有一个停顿,寻找更深的东西。所以,时间对我来说是一条长线,在长线里面有一些小的、曲直的变化。

22010年起,您进入了一个您称之为“仰视”的艺术创作阶段,进一步拓展自己的视野和宇宙观,赋予创作“更高的视角”。请介绍一下这个概念。您现在如何认识这一概念?与当初有何变化与发展?

A:因为在时间的这条线上,你会寻找不同的方向。对于我来说,这十年正在走的方向是一个“仰视”的阶段,里面包含着很多东西,最主要的是“仰望天空”,但不仅于此。天空有日与昼的变化,也有近和远的变化。也许,仅仅看天,仍然不是“仰望”的唯一区域,可能还要看到更大的世界。对我来说,从小所受的教育背景导致对世界的理解是局部的,可能是一个以欧美和中国之间的关系为核心的理解。但是当你站得更高,看更大的世界的时候,你会发现,还有很多文明,这些文明存在于世界已经很久,不同的地区都有这样的文明,不仅仅是欧洲的文明,还有拉丁美洲、非洲,还有阿拉伯等等,很多地方,还有中国的邻国——古印度的文明。所以现在有这样的一些机遇去看不同的地区,会改变你看待世界的方式,会把更大的世界包容在创作里,形成你的某种世界观、价值观,来判断你未来的艺术走向,或者说,今天我要表达的一些东西和这样的一些观点都是有关系的。

3、您的许多作品都体现了一种强大的沉浸感,牢牢吸引观者的视线,使人忘却时间。这种“恒久”的感受在我们仰望夜空、或冥思宇宙时也常能体会到。

您如何理解“不朽”、“恒久”?

A:我觉得一个是作品里面有一些主动的追求,比如说“恒久”的概念。“恒久”对于我来说,一方面是为了在作品里面追求宏大的世界观,所以我选择抽象,它可以更多地表达宏观的概念,而不仅仅是局限于一个人、一个事件,它可以包罗万象。当然“恒久”由很多部分组成,比如说,在我的作品里面可能有某种所谓的恒久的节奏,这种节奏关系其实有某种数学的逻辑在里面,这种节奏关系不是偶然的,是具有某种数学性的恒久性。对于我来说,作品所要追求的理念是看不完的,始终是有东西可以挖掘,有东西可以沉浸,有东西可以思考,所以在作品里面有一种理性和感性可以融合的东西,这些东西能够带来某种生命的流动性和生命的能量。所以也可以说,这些对于作品内涵的追求,就是为了塑造某种恒久的概念。

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4、据我们所知,您倾向于在夜间工作,这个习惯是如何形成的?四下无人是否更能让思绪得到释放?

A:我比较习惯一个人的工作,尤其是在无人打扰的夜晚——这个习惯是我从年轻时就已养成的。最近我的工作时间又推迟了,原先可能是上午十点钟到工作室,现在大概是下午一点多到工作室,离开工作室差不多在凌晨两点多。这是一种阶段性的工作规律,但是工作的持续性一直是我最主要的工作方式,我一旦开始工作就很少会停顿,会持续几个小时。我觉得这是一种个人的工作习惯,在这种习惯是一种自我沉浸,只有沉浸在作品里才能有感而发,才能表现出某种精神的状态。这并非散漫的工作方式,而是某种专注精神的体现。

5、您的艺术创作一直在不断发展,会挑战不同的材料,探索新的媒介和技术。

能不能谈一下您目前的创作手法(例如,在木头上绘画,在层叠的颜料上雕刻)。

您目前最常使用哪些颜料呢或其他媒材呢?

A:我的作品其实一直是在和时代同行,就是挖掘时代里面的某种特征,材料上的突破是比较重要的来源,比如说颜料本身也不断在进步,近二十年产生了很多新的颜料,包括荧光色、珠光色、金属色,我觉得都是这个时代所产生的新型系统,那么我很乐意使用这样的一些色彩系统,来加强我和这个世界的变化的联系。我从2015年开始用木板,采用木刻和绘画结合的方法。使用这种材料技法的原因是,2015年在龙美术馆做一个大型的个展,面对美术馆高大的空间,我就有一种愿望,希望用绘画来控制住这个空间,或者是和这个空间进行抗衡。因为龙美术馆是清水混凝土墙面,冰冷,而且坚硬,所以我觉得仅仅使用画布很难去抗衡建筑的力量,需要找到一种新的材料,能够和空间产生一种真正的互动关系。所以我当时经过很多次的实验后,找到了在木板上预埋底色,然后再加上木刻的方式,来呈现绘画的新面目,也以此为绘画和空间的这种抗衡关系找到一种新的突破点。

6、此番与La Prairie莱珀妮的合作,以恒久之梦为主题,您特别创作了一个复杂的装置,其中不仅有绘画,还包括影像和光学透镜结构。

对此您如何解读

A :和La Prairie莱珀妮的合作以“恒久之梦”为主题,我觉得与我的理念不谋而合,也是我在创作中一直追求的一种梦想。我的工作方式是往纵深去挖掘,而纵深的核心就是要追求某种永恒的东西,也可以说是人类的一些基本的、宏大的宇宙观,是你如何看待世界之中的一些基本的规律规则,这些东西我觉得是永恒不变的,通过绘画慢慢的去接近这样的一个真理。

如何通过其他的媒介来阐释“恒久之梦”,对我来说也是一个挑战。绘画有着与生俱来的、与“恒久之梦”相类似的一些特征,但在新媒介的尝试中融入些许这样的气质,对我来说也不是一蹴而就的。

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在La Prairie莱珀妮的这个项目里面,我想更深入地去探索永恒的概念,尝试通过多元的观看角度,呈现一种整体性的永恒。通过不同的观看方式,引导观众去理解一个艺术家的作品,它整体是什么?细节是什么?它能不能传递某种能量?能不能打动观众?

在我看来,最重要的是如何带领观众去真正地体验恒久之梦。

换言之,我希望探索各种观看和互动的可能性,透过不同的视角创造出独特的沉浸式体验。在我看来,一张画的整体气势,它的图形、它的结构以及互相之间形成的关系,这是在远看的时候把观众吸引过来的一个最基本方式。

但是,如果你再能够走进画,再能够去看这个画里面的细节的时候,你会开启与绘画进行对话的一种可能性。所以我为这样的一个展示的空间塑造很多不同的透镜,墙上会镶嵌着不同的透镜,可以给观众一个机会去探索我的画,把他们带入到更奇妙的观察作品的状态里面。

影像作品是更加纯粹的艺术表述。因为我是一个平面画家,影像可以说是我创作的一种动态的延伸,不再受画布边界的束缚,在一方无限的空间内呈现不断延展的永恒宇宙,引领观众进入一种独特的冥想时刻。

7、为何在这件名为《时间之上》的作品中,首次选择以影像为媒介?

A:这不是一个能够阐述我所有思想的较为大型的个人展览,它是一个项目空间,因此,你必须要在有限的空间里来调动观众的兴奋度。这个展览又是在上海,想必上海的观众对于我的绘画作品早已非常熟悉,所以我希望能够带给他们一种新的、可以解读我作品的媒介,比如说影像,或者是如何进一步阐释作品的视点。

8、在这件装置作品中,你把光学透镜置入墙上。

透镜赋予绘画更多元的视角,能谈一下背后的想法吗?

A:实际上,我很喜欢拍摄我作品的局部,在局部中往往隐含着很多丰富的东西,但是一般观众不会去凑近看一个单元的局部,所以我就想,能用什么办法提示观众去凑近看作品,也许通过不同的透镜能够提示观众,解读一件平面的作品可以有很多的可能性。当然也有很多人认为我的作品很像花纹,很像图案,那么也许通过透镜可以组合成新的一种作品样式,或者制造“远望”的观看方式,更整体地来看作品的结构。这些透镜可能会对作品有一些解读,也可以提示观众,看待一件作品时,可能存在很多角度,然后你由此能够获得不同的可能性。

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9、您曾把自己的创作过程比作下围棋。能否谈一下逻辑/理性与即兴发挥在您创作中的关系?

A:用下围棋来定义这样的一种工作方式,实际上只是一个比方,也可以打另外一个比方,比如说在我的作品里有塞尚的影子。塞尚是西方现代主义的一个艺术家,我觉得他也是用一种很像下围棋的工作方式,会塑造作品之中的某种平衡,包括作品的“势”,因为一件作品它的整体性在于所谓的“取势”,取这样的一个气势。塞尚的作品很理性,当然我们也可以感受到他有感性的一部分,比如说他画圣维克多山。我觉得感性和理性一直是一对互相排斥又互相融合的矛盾体,也可以说它们是对手,当然它们必然地常常走到一起。在我的作品里面,格子的框架本身是一种理性的框架,但是在作品里,我又不用那种限定性的草图来控制这个画面的感性的生发和感性的流淌。我最近在创作的作品实际上是一种对角线的关系,它是构成画面的一种理性的方式,因为所有的作品的出发点都是从对角的角度出发,再融合。除了这样的一种框架,作品的画法又是一种比较线状书写的方式,所以是感性和理性的结合,创造了一种生动性,或者是一种具有生命的绘画,让绘画产生活力。

10、您如何把精神性、视觉性和作品的物理特性在自己的创作结合起来?

A:绘画的精神性表达是所有艺术家的追求,如何具有某种精神性、震撼人心的语言和画面的呈现。我的作品一直在往这个方向进发,但是我觉得这非常难,虽然画面的构成具有某种物理性的特征,但是如何产生精神性,需要有很多部分的配合,以及更深层的表达。对于我来说,这个一直是努力的方向。我觉得在创作里面达到精神性,需要具有一些特征,比如说,观众面对你的作品时,能够真实地被激发某种情绪,或者是能够被感染、感动、震撼。这些其实都是作品里面所具有的精神性,所散发出来的这种能够感染观众的精神的外溢部分。当然,所有的精神性都取决于艺术家自身,如果你追求这些,你在创作过程中具有某种精神的指引,你有某种目标在追求,作品就会呈现这些所谓的精神的特征。

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